CARLOS ROSENDO CARCAGNO. Posible obra del escultor DAGOBERTO PAPI.

CARLOS ROSENDO CARCAGNO. Posible obra del escultor DAGOBERTO PAPI.

Foto personal tomada el 30 de abril de 2022.

Esta es una placa con un destacado marco de contención de la escena. En el campo izquierdo vemos una cruz y en el derecho a la imagen del Corazón de Jesús con sus manos en actitud de bendecir y de la aureola que vemos detrás de su cabeza salen rayos de iluminación pero también que simbolizan divinidad. Es de destacar que esta es una de las pocas obras en las que vemos a Jesús calzado apoyado y sostenido por una nube. En el campo epigráfico podemos leer: "CARLOS ROSENDO CARCAGNO. Vida, Ilusiones, Esperanzas, Muerte. Solo eterno el más allá" y en la cartela se inscribe: "Su esposa e hijos. 1934-Febrero-1935" 

LA SIMBOLOGÍA FUNERARIA DE LA CAPUCHA en ORANTES Y DOLIENTES.

LA SIMBOLOGÍA FUNERARIA DE LA CAPUCHA en ORANTES Y DOLIENTES.

Fotografías personales.

En la simbología funeraria es muy frecuenta ver dolientes u orantes con su cabeza cubierta por un manto o una capucha. El origen de esta costumbre de luto se remonta al comienzo de los tiempos y tiene diferentes significados. Muchos dioses en la mitología griega y romana en algún momento de sus leyendas llevan su cabeza cubierta tanto por un velo como por una capucha y puede ser símbolo de invisibilidad tanto física como espiritual.

Seguramente esta perspectiva de invisibilidad espiritual es la que mejor se aplica al lenguaje simbólico funerario ya que ese ocultamiento puede ser considerado como sinónimo de duelo, tristeza o humildad.

En este mismo sentido lo entiende el psicoanálisis contemporáneo que considera la capucha como el deseo de hacerse invisible a la mirada de los otros, el desaparecer al mundo como lo pueden interpretar la ascesis monástica cristiana o el morir tanto en sentido literal como simbólico. En el mundo simbólico de la liturgia, en especial la relacionada con las comunidades monásticas, el uso de la capucha es el símbolo más importante de humildad y sumisión al proyecto y soberanía divina. 

FAMILIA TORRALVA PONDA. Obra del escultor LUÍS TORRALVA.

FAMILIA TORRALVA PONDA. Obra del escultor LUÍS TORRALVA.

Foto personal tomada el 18 de junio 2025

Esta placa con un estilo muy narrativo describe con realismo la escena que ocurre alrededor de una tumba aparentemente luego de haber ocurrido la sepultura de un miembro de la familia. Tiene un encuadre muy visible y la descripción de los muchos participantes en el escena es detallado. En la parte inferior vemos el campo epigráfico con una lista de las personas cuya memoria se desea perpetuar. La firma del escultor se puede ver en el ángulo inferior derecho del campo frontal en que aparece esta escena dramática.

RECURSO BIOGRÁFICO.

Torralva, Luis

Nació en Santiago de Chile el 13 de marzo de 1902 y falleció en Buenos Aires el 20 de mayo de 1985. Tenista destacado y escultor.

Estudió en el Instituto Nacional General José Miguel Carrera en Santiago y se graduó de arquitecto en la Universidad de Chile en 1926.

Como escultor fue discípulo del francés Antoine Bourdelle en París en Francia desde 1926 a 1929, dando rienda suelta a su sensibilidad creadora: casi todas sus esculturas de tamaño natural datan de esa época de su vida.

Se radicó en Buenos Aires y en 1936 abrió un taller de escultura en barrio Belgrano donde ejerció la docencia. Cultivó el estilo clásico, con un sello muy personal. Lo inspiraron una enorme diversidad de temas: la figura de la mujer, situaciones de vida de mucho dolor, el budismo y otros aspectos de la vida humana: la avaricia, la mendicidad y el desarraigo.

Sus obras: La Culpa en el Museo Nacional de Arte Decorativo, Ciervos en el Museo Municipal de Bellas Artes Eduardo Sivori y El Ciego en el Museo de la Fundación Rómulo Raggio, Éxodo en el Museo Provincial de Bellas Artes Juan Yaparí en Posadas, El Beso en el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano en La Plata, Chagrin en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional del Litoral en Santa Fe, Laxitud en el Museo Fueguino de Arte en Río Grande, La Bella y la Bestia en el Museo de Bellas Artes Ramón Gómez Cornet en Santiago del Estero. Expuso en las galerías Müller en 1937 y 1949, Witcomb en 1944 y de Arte de Buenos Aires en 1975. Concurrió al Salón de Bellas Artes de París en 1934 y al Primer Salón de Arte Sacro Moderno del Arzobispado de Buenos Aires en 1954. (Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata; Galería Zurbarán).

https://www.artedelaargentina.com.ar/.../luis-torralva 

PEDRO ETCHEPARE. Obra del escultor OCTAVIO FIORAVANTI.

PEDRO ETCHEPARE. Obra del escultor OCTAVIO FIORAVANTI.

Fotos personales tomadas el 29 de marzo 2025

En esta placa conmemorativa vemos el retrato de la persona objeto de este memorial encuadrada por un octógono con toda la simbología relacionada con el nacimiento a la vida perfecta. En el campo frontal central vemos en detalle el edificio de la Escuela Navial y al pie de este diseño una formación militar en un estilo un tanto esencial. El campo epigráfico al pie nos proporciona los datos necesarios como para conocer el motivo de la placa. La firma del escultor se puede ver en el ángulo inferior derecho de la representación del edificio.

RECURSO BIOGRÁFICO.

Fioravanti, Octavio

Nació en Civitanova, Italia, el 9 de octubre de 1894 y falleció en Buenos Aires en 1970. Arriba a Argentina siendo niño. Cuando contaba once años se aproximó al arte en calidad de marmolista, y acudió a un pintor para estudiar dibujo. El maestro y sin duda modesto guía fue Fernando Santilli, a quien recurrió también su hermano José, el estatuario.

El oficio de marmolista lo retuvo durante más de diez años y luego se hizo ilustrador dibujando y colaborando artísticamente en periódicos y revistas de Buenos Aires entre los años 1920 y 1930.

Ejerció la docencia. En rigor, Fioravanti fue el maestro de sí mismo. Pintó la figura humana, paisajes, naturalezas muertas, animales, según el impresionismo y más aún, conforme a la visión y técnica del neoimpresionismo.

Presentó sus obras en el Salón Nacional desde 1926, en la sección pintura y en escultura y también en salones provinciales. Participó en la Exposición Internacional de Viña del Mar, y en las de Río de Janeiro, Nueva York y San Francisco.

En Buenos Aires, expuso en las galerías Nordiska, Amigos del Arte y Witcomb. Obtuvo numerosos premios, entre otros, el Segundo Premio Comisión Nacional de Cultura en el Salón Nacional en 1945 y el Primer Premio y Medalla de Oro en Escultura en la Exposición Internacional de Viña del Mar.

De su escultura se sabe que ilustra el aspecto positivo de la inquietud moderna. Modela y construye, se apoya en el rigor morfológico, en sus enlaces coordinados y en la significación del carácter.

https://artedelaargentina.com/.../pintura/octavio-fioravanti